Campus Nadia Nadege

À partir de l’exposition de Michel Séguin et ses magnifiques impressions, atelier de gravure en collaboration avec VAN. 6 rencontres pour explorer 2 techniques très différentes mais qui peuvent se compléter - voire fusionner sur le papier : la linogravure et les encres sur papier puis l'impression à la plaque de gel et l'acrylique sur papier. Dans ce premier "post", les oeuvres de Seguin qui servent de sources d'inspiration. Prochain "post" : les oeuvres des participantes.

Des places disponibles pour découvrir l’aquarelle quantique.

Une aquarelle quantique est une peinture où :
• la matière (l’eau, le pigment, le papier) est considérée comme un champ d’énergie sensible ;
• chaque geste, chaque intention de la créatrice influence la vibration de la couleur ;
• le résultat devient une trace visible d’un état vibratoire ou d’une conscience.
C’est proche de la peinture intuitive ou médiumnique, mais avec un ancrage énergétique et scientifique : l’eau transporte l’information, la couleur la traduit, et le pinceau agit comme un vecteur d’ondes.
Le secret de la puissance de cet atelier réside dans ma capacité à générer la création d’un contexte de manifestation puissante et d’un espace sensible et sacré. Je m’appuie sur mes initiations précoces bouddhistes et shamaniques ainsi que sur mon expérience senior d’accompagnatrice, de formatrice, d’enseignante et de praticienne en art thérapie. Pour s’inscrire, me contacter en mp.

Être enseignante en arts, c’est bien plus que transmettre une technique…
C’est offrir un espace où chaque élève peut se rencontrer, se découvrir et se révéler. C’est voir les yeux s’éclairer devant un geste juste, un trait tracé avec assurance, une couleur qui exprime ce que les mots ne peuvent dire. C’est accompagner la naissance d’idées qui prennent forme, la confiance qui grandit, la sensibilité qui s’affirme.
Chaque cours est un voyage unique, où l’imagination devient matière, où l’erreur se transforme en exploration et où la créativité devient un langage universel.
Être enseignante en arts, c’est croire en la magie de la transformation — celle qui se produit lorsque quelqu’un ose créer, se tromper, recommencer, et surtout… s’émerveiller de ce qu’il est capable de faire.
Et parfois, c’est un simple sourire, un regard fier ou un murmure enthousiaste qui rappelle pourquoi ce métier est un cadeau quotidien : celui de nourrir les âmes et d’éveiller la beauté qui dort en chacun de nous.
Merci à tous mes élèves et étudiants, passés et présents, qui me rappellent chaque jour que l’art est un pont entre nos cœurs.

Grace à L'école d'été Vacances Arts Nature installee au College Francois Delaplace à Waterville (Québec), retour sur l’atelier avec . 4 journées de pure magie comme la Mer des Caraibes, comme le ciel avant la nuit, comme les champs de lavande ou le drapeau de la Belle Province…

Bravo et merci à Johanne, Emaelle, Julie, Nancy, Valérie, Caroline, Jacqueline et Lucie pour avoir plongé avec enthousiasme et confiance,dans un esprit d’équipe inspirant.

Les seront à l'honneur la semaine prochaine avec mon cours à L'école d'été Vacances Arts Nature. Voici quelques démonstrations qui serviront de modèles. Ce sont des épreuves sur papier et sur tissu ainsi que des séries de transformations et virages...

2025

Prochain cours d' à L'école d'été Vacances Arts Nature. On ne fera pas de ni de portrait brodé mais c'est pour vous donner une idée des multiples possibilités qu'offre une découverte artistique de l'

Burning blues… Blueish skin
Autoportrait textile : sur 100% coton rehaussé de selon la technique de la à l’aiguille. 2024

Loin d’être une simple représentation fidèle de soi, l’autoportrait constitue souvent un lieu de tension, une opération de déconstruction de l’identité. Ce n’est plus la figure qui est montrée, mais sa mise en crise. En ce sens, l’autoportrait peut fonctionner comme défiguration de la figure : il ne vise pas tant à dire qui je suis qu’à mettre en doute la possibilité même d’une identité stable ou d’un visage reconnaissable.

Dans la tradition picturale comme dans l’écriture autobiographique, on voit apparaître cette tendance à l’autoportrait comme lieu de fragmentation, d’altération, voire d’effacement. Francis Bacon, dans ses autoportraits déformés, brouille les traits du visage jusqu’à en faire des masses informes, dénonçant la fragilité du moi et l’instabilité de toute représentation. De même, chez un écrivain comme Michel Leiris, l’autoportrait devient une entreprise d’exposition de soi qui passe par la défiguration : dire le vrai de soi implique de défaire les masques, et parfois même de détruire l’image.

La défiguration est alors une manière d’explorer la face obscure du sujet, de rendre visible ce qui ne peut être montré autrement : la honte, la douleur, le vide, le doute. L’autoportrait n’est plus alors un miroir flatteur mais un champ de ruines. Il révèle non pas le visage mais l’envers du visage — ce que Levinas pourrait appeler le « visage dénudé », l’irruption de l’altérité au cœur même du soi.

En somme, l’autoportrait comme défiguration questionne la possibilité de se figurer soi-même. Il ne montre pas le sujet tel qu’il est, mais le travail même de sa dislocation. Il fait apparaître, à travers la figure troublée, la vérité d’un sujet toujours en fuite, toujours déjà autre.

Un des ateliers de l’école d’été en art thérapie de l’UQAT proposait la pratique du collage en session de groupe.

Mon collage de départ représentait le rayonnement d’une immense fleur de tournesol. Ma partenaire d’atelier avait, elle, choisi un paysage glacé d’hiver. Elle faisait craqueler la glace par des marques évoquant la vitre brisée.

Dans notre échange, j’ai introduit dans la chaleur du soleil la fraîcheur de l’eau et la craquelure dans la terre noire. Elle a découpé une des pétales et je l’ai emplie de ciel bleu puis j’y ai inséré une élément végétal.

Créer un collage, c’est assembler des fragments pour donner forme à l’invisible. En art-thérapie, cette pratique simple mais puissante permet d’exprimer ce que les mots n’ont pas encore dit.

Chaque image découpée, chaque morceau choisi, reflète une émotion, un souvenir ou un besoin profond. C’est un moyen doux et intuitif de se reconnecter à soi, de transformer et de guérir.

En art-thérapie de groupe, le collage devient un véritable espace de co-création. Ici, chacun commence une création… que d’autres viendront compléter, transformer, enrichir. Ce processus demande de lâcher prise, d’accepter que l’autre entre dans notre univers visuel, et d’oser soi-même toucher à celui de l’autre.

C’est un jeu d’écoute, de confiance, de surprise. À travers ces échanges concrets, les frontières personnelles s’assouplissent, les liens se tissent, et l’acte de créer devient profondément relationnel.

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Le , par sa présence naturelle dans le ciel et les eaux, est une profondément inscrite dans notre sensorielle et affective. En art-thérapie comme en psychologie des couleurs, il est reconnu pour ses effets calmants, stabilisants et introspectifs. À travers certaines pratiques artistiques comme le cyanotype, ce bleu prend une dimension encore plus , et .

Sur le plan émotionnel et physiologique, la couleur bleue apaise. Elle diminue l’activité du système nerveux sympathique, ralentit le rythme cardiaque et invite à une forme de ralentissement intérieur, indispensable à la régulation émotionnelle. Cette qualité de détente favorise des états propices au bonheur : calme, clarté mentale, respiration profonde. Le bleu agit comme une fenêtre intérieure ouverte vers l’apaisement.

Le , procédé photographique ancien utilisant des sels de fer sensibles à la lumière, donne naissance à des images d’un bleu profond, presque onirique. Il ne demande ni maîtrise technique poussée ni intention esthétique rigide. C’est un lent, manuel, tactile, qui se vit plus qu’il ne se contrôle. Cette , associée à la de l’apparition du bleu à la lumière, crée un espace de suspension dans lequel le créateur peut se reconnecter à lui-même.

L’un des bienfaits thérapeutiques du cyanotype réside justement dans cette relation au : on prépare la solution, on choisit les objets à exposer, on attend la lumière, on rince. Chaque étape devient , presque . Le corps s’engage, les gestes se répètent, et l’esprit se libère des préoccupations immédiates. Cela crée un état de pleine présence, favorable à l’émergence d’un sentiment de calme et, par là même, à une forme de bonheur discret mais profond.

Par ailleurs, le bleu du cyanotype évoque la trace, le souvenir, le rêve, ce qui le rend particulièrement pour accompagner des processus de deuil, d’ancrage identitaire ou de reconstruction. Les objets du quotidien (plantes, tissus, silhouettes, mots découpés) deviennent sensibles, signes d’une mémoire réinvestie, d’un rapport poétique au monde.

En art-thérapie, proposer une séance de cyanotype aide à se reconnecter à la nature et à la lumière (éléments essentiels à la santé mentale), lâcher le contrôle tout en gardant un cadre rassurant, explorer la symbolique du bleu comme espace de soin, de profondeur et de lien avec l’invisible.

En somme, la couleur bleue, et particulièrement le bleu du cyanotype, agit comme un intermédiaire entre le visible et l’émotionnel, entre l’extérieur et l’intime. Elle ouvre un espace où le sujet peut se retrouver, se et se à un plus intérieur et plus durable.